Por Gaby Bruna.
Cesar Peña on international exhibitions on Colombia’s state of museums:
Iniciamos con el papel de las exposiciones universales en el siglo 19 con respecto a las de Colombia. Se especifica que el país en ese momento no tenía identidad visual como nación, Europa y EEUU no los consideraban igual de “civilizados” y que había una confrontación con las grandes exposiciones universales frente al progreso. Como y que mostrar para representar al país? Que vamos a mostrar y que represente el estado de una Colombia como comprometido con la carrera del progreso?
Y este país, siendo agrícola, no tenia en ese momento un perfil de poder transformar productos, algo que en esencia es una exposición. No obstante, las exposiciones fueron referentes en los inicios en las exposiciones nacionales como en la creación de museos.
Y el arte fue claramente parte del discurso civilizatorio y de la idea de cultura. La celebración de la nación…era equivalente a la celebración del progreso a través de la cultura visual.
Desde la inauguración de la Torre Eiffel se da una discusión de que la torre es un adefesio. Bogotá en la década de los 90 comenzaba a ser reconocido como un hecho estético. El inicio de Rock al Parque ofreció a los jóvenes a la apropiación del espacio público.
Eso fue seguido por una estética digital en los años 80 con el uso de Corel y donde se habilita una mirada de vuelta a la ciudad, a la historia de la misma y su arquitectura para el uso de los espacios y el sentido de pertenencia.
En los 80’s el arte la música, el diseño y el cine, se presentaron como medios de sobrevivir, de lidiar con esa omnipresencia que tenía la muerte en muchos escenarios. Generaron espacios participativos a través de exposiciones y en el marco de la ciudad surgieron dos exposiciones conmemorativas:
Picasso en Bogotá:
¿Qué fue lo que exactamente hizo la diferencia y la existencia de este evento fuera tan masiva? Esta exposición fue una de las primeras donde las personas tuvieron contacto con el artista y se podía consumir cualquier día de la semana.
Llegaron los 90, donde se creó un museo virtual de la ciudad aprovechando las ventajas que ofrecía la tecnología. Se condensó su historia en un CD realizada por una empresa de multimedia, arquitectos y diseñadores. Luego se instaló una tela gigantesca en la Palacio y la gente no veía el palacio si no lo que había sido la ciudad hace 50 años, dando una sensación al visitante de una visita al pasado. Nunca había sido tan importante el empeño por preservar la imagen y o memoria de la ciudad.
Que aprendimos de este recorrido?
Que las experiencias significativas en relación con exhibiciones están relacionadas con el espacio de la ciudad y el paisaje urbano en general. Que el consumo de experiencia citadina se relaciona con el consumo y el aumento de los estímulos sensoriales. Y que lo conmemorativo es una oportunidad para pensar y repensar la identidad.
Pepping Ortoleva’s reflection on “informal spaces”:
Opera, theatre, we know what they will offer. But what can happen with and in a museum? The explosion of the memories! Informal spaces are very useful depending on the context of the exhibition. Commemoration and celebration can even become the same thing. The use of both elements can also be reflexive. Because memories can be a personal experience “I tell you the history but through my own memories, my own experiences”.
Carolina Blanco sobre el “espacio de exposición”:
Un debate sobre el contenido, lo que contiene la arquitectura y la arquitectura sin contenido.
Ha habido muchas críticas en los cambios de comunicación y en cómo nos entendemos los humanos sobre la arquitectura y su fuerza como elemento construido. La arquitectura significativa, hace que tenga una experiencia sobre nosotros mismos.
Dice el Arq. Juhani Pallasmaa, “en la experiencia del arte tiene lugar un particular intercambio; yo le presto mis emociones y asociaciones al espacio y el espacio me presta su atmósfera, que tarea y emancipa mis percepción y mis pensamientos.”
Daniel Ronderos sobre la la arquitectura y su forma y contenido para museos:
El debate se define en esto. O la obra se define por su contenido o la obra esta definida independiente del contenido. Y esa segunda elección también termina definiendo el tipo e exhibición que puede sostener.
Primero vino el edificio hecho del contenido, donde el arte y la arquitectura eran creados al mismo tiempo y el contenido mandaba la narrativa y la tecnología, la iluminación y el posicionamiento, todo iba mano a mano.
Luego vino la caja de estuche, donde se empezaron a crear espacios hechos para contener y guardar el arte. Para luego llegar a un edificio tipo caja, donde la forma no tiene ninguna relación o injerencia sobre el contenido, como por ejemplo el Pompidue.
Luego vimos el fenómeno de las exposición mundiales donde en esencia el contenido no es claro en el museo y el museo es tan protagonista, se puede decir que podemos tener un museo de museos.
Hablamos de la relación entre cuidad, espacio y tiempo en donde la arquitectura se planteaba como un elemento horizontal para “confrontar la condición humana existencial“ como citaba Pallassmaa.
La evolución que presentaron fue la siguiente. En los 1900’s, el espacio publico sucedería sin importar la calidad de daba. En 1960 llego la invasión del carro y en 1970 se generan espacios peatonales y espacios urbanos públicos. Hoy, 2017 el espacio publico solo ocurre si va a dar una buena experiencia. El espacio publico en esencia hace esto: visibiliza las prioridades jerárquicas, nos muestra lo que le interesa a las ciudades, actúa como mediador sobre la interacción social, es el lugar de la sorpresa y debe de tomar los grandes espacios icónicos y meterlos en la cuidad.
Tuvimos buenas intervenciones de parte del Centro de Memoria Histórica y el Museo de Bogotá, ambas instituciones luchando por definir su propósito en un ambiente de mucho cambio, fuerzas políticas y cambios en presupuestos.
Pepping Ortoleva’s reflection on museums and architecture:
He started by explaining that in the long history of architecture and museums there is a break and the the break is when modern museum was born. The works of art where in the church, then went out and into the museum. Why? Why this harmony that people have theorized between gothic churches was broken and another container was born with the same works? How did a crucifixion go from a cathedral into a museum? In the history of art history there is a strategic passage when Italy unified,
the Umbria, one of the richest regions of art and took everything and put them into big museums.
So the museum was born as part of the content being taken out of that perfect structure of the church. Why? Because at the end of 20th century two incept were born: aesthetics and art. The the museum became the place where they belonged. Because their beauty became more important and because the myth of the crucifixion was replicated by the myth of the great artist. So the e painting of the crucifixion w as probably less important that the artist behind it???
In the 19th centaur the architects did not consider themselves artists. They considered themselves as good constructors of monuments of the state. Then in the 20th century they became the The Artist. They said they were the top artists, because “I change the face of cities, because I move much more money etc.”.
But then Pepping told us to ask ourselves, are we sure that we are not speaking of monuments? Are these not more monuments to the ego of the artists, than anything else? Max weber brought the term of disenchantment. He said “the modern world is disenchanted, that we cannot stand monuments that are too small”. But how do justify big monuments? One of the strategies is to that they are beautiful they are not so much monuments biased on aesthetics but on sheer size. But that is when we have a risk of running into a schizophrenia of the content and the container…and then the idealization of the great monumental work.
VIVIANA MEJIA
CREANDO EL AMBIENTE – REPENSANDO LA NOCION DEL ESPACIO PUBLICO Y PRIVADO
Que se define por lugar?
Que pasa con las galerías privadas o los tastemakers? Y los museos privados? Las galerías privadas, por muchas razones son mas maleables que las institucionales y públicas. Aquí algunos ejemplos:
En la Bienal de Singapur (Belief, 2006) los países asiáticos en general fueron ejemplo de un crecimiento muy rápido ante el arte contemporáneo. En China habían 25 museos en 1949 y hasta solo el 2007 verdaderamente se abre ante el mundo.
Entonces que es crear el ambiente en sitios como este, donde no había un mercado y se esta tratando de llegarle al par a las naciones occidentales? Singapur maneja logística, sector financiero y servicios y por su tamaño de isla no sirve para producir o fabricar. También es un lugar conocido por contener muchas religiones y grupos étnicos, y una estructura mas autoritaria donde se trata de imponer ciertas formas de ser para mantener el orden.
“The title and theme of this first Biennale is belief. Contemporary society is marked by complex and conflicting values and the lack of unified standards of judgment. Diverse values sometimes lead to the threat of war and terrorism, and imply fundamentally different visions of the worlds. In the contemporary world; What should we believe? – Fume Nanjo” – Curador Biennale Singapur 2006
Lo curioso fue que se usaron 198 obras de arte en 19 lugares diferentes donde mostrarlos + 87 obras prestadas. Todo esto creo un tipo de peregrinaje por toda la ciudad enlazado al tema.
Everything is contestable. 2006
https://www.digitalartarchive.at/database/general/work/everything-is-contestable.html
Ashoka Sumaran en la Iglesia Armenia en Singapur.
El rol de la iglesia y como la persona la prendía o la apagaba.
Lotus Mantra. 2006
http://charwei.com/projects/lotus-mantra-ii-2006-installation/
Thai Charlie
Escribe sobre la flor de loto donde combinada algo muy religioso y activaba el espacio de manera artística.
Alms. 2006
http://universes-in-universe.de/car/singapore/eng/2006/tour/sultan/img-04.htm
Jennifer Wan Ma.
Se traduce a limosna. La obra en si no era muy compleja pero se traducía en muchos templos de diferentes religiones.
Cosmic Orhpans. 2006
https://www.victoria-miro.com/artists/36-ns-harsha/works/image2186/
N.S. Harsha
Pinto la azotea de diferentes personas durmiendo.
Cada vez mas se trata de usar las estructuras tradicionales, se trata de romper esa primera mirada se los espacios. Singapur quería usar el tag de Hub del arte, y había que activar la ciudad con el arte. En las siguientes ediciones también se hizo lo mismo y mas en sitios en sitios que se estaban remodelado. Y la gente se preguntaba que por que si había museos, porque el arte había que verlo por afuera? Era un pregunta interesante y disimila antes como debe de ser un espacio de exhibición. Hasta la misma alcaide quiero optimizar esto para no gastar mas plata.
OHD
Dr Oei Hong Dijen – Museo Privado
Jogjakarta, Indonesia
En 1982 habían 13 billonarios y hoy en día hay 2,043 bajo las listas de Forbes. Nunca ha habido mas dinero en el mundo y con eso ha habido un crecimiento de museos privados. En inversión siempre se jugaba con commodities y metales preciosos o energía, por ejemplo, pero el arte se empezó a convertir en un alternative asset . El mercado del arte es el mercado mas grande sin regulación. Quien determina el valor y como se maneja la especulación? Los millonarios empiezan a comprar arte y los museos sirven para manejarlos. Antes venían de la donación de una familia y se pasaba el nombre, etc. Pero luego empezó a surgir una necesidad de las misma persona para poder decidir como lo muestro , cuanta exposición tiene. De ahí se empezó especular y aumentar el valor.
Los museos dan una validación y prestigio que no se tiene y eso genera muchísimo valor. Por eso los bancos colombianos eran también los mas grandes coleccionistas. Y eso es un problema porque no se muestran tanto. Pero aparte de lo comercial, es importante enfatizar cuando hay la necesidad de crear los museos porque no hay interés en una colección.
“It was really the artists who pushed me to build a space where my collection can be viewed from a curated perspective”” – Dr Oei Hong Djien
En Singapur no hay dinero directo para museos, sino mas bien para monumentos o espacios muy nacionalistas. Y si lo hay no se tiene la misma facilidad para hacer inversiones nuevas. Ahí entran los millonarias a ver como pueden contribuir. El Dr. Oei empezó a coleccionar arte desde muy joven como Afandi y artistas europeos que pintaron los pasajes de Indonesia. Los conoció mas y llego eventualmente a tener mucho arte. Y la gente quiere tener acceso a ella. El siente una responsabilidad social, tema que surge ahora con las grandes empresas que son dueñas de colecciones.
El rol de museo ha sido importante porque a los privados les interesa mostrar los artistas contemporáneos. Muchos dejan de crear, sabiendo que hay una cultura por el arte pero no hay apoyo. Y ahí es donde las mecenas tienen que hacerlo. En el caso de Latam y Asia, existe el Arte con a mayúscula y el Arte regional.
Y ahí entra la creación de espacios para poner el arte pero también para fortalecer la comunidad. Los estudios en Jogjakarta le abren el espacio todo el mundo. A todos se le dan comida y puede entrar cualquiera. Se rompieron esos cánones de la elite del arte y se comparte la información. Ellos hacen libros y reuniones y cenas y conferencias. Hay niños, gente de la comunidad, gente del barrio.
También el Dr. se le pega a los eventos de arte importante, como cuando el Singapur National Art Gallery inicio y Dr Wei le respondió con su museo.
Chichi Museum
https://en.wikipedia.org/wiki/Chichu_Art_Museum
Benesse Corporation & Yoichiro Fukutake
Museo Privado
Naoshima, Japon
Naoshima es una isla industrial mas lejana mientras que Tokyo ya lo tenia todo. “Through the proyect I’m searching for eternity. In Naoshima it is a spriritual journey”.
Solo hay tres artistas. Monet y otros dos, incluyendo Walter de Maria. (https://en.wikipedia.org/wiki/Walter_De_Maria). Se trata de que la gente no comente, no se permiten fotos, celulares, dibujar, apuntes, nada. En la parte de Monet, hay que ponerse zapatos blancos, que no hagan ruido. Es como el anti museo pero al extremo. Y hay mucho uso de la luz natural para poder vivir que Monet también vivia en sus pinturas.
Tiene un diseño site–specific, pero también la armonía entre naturaleza y arte.
Y si sacamos el arte de lo tradicional y creamos lugar donde se mezcle con la naturaleza? Y si lo sacamos de la cuidad cosmopolita? Y si lo sacamos de ciudad principal? Otro tipo de relación entre el arte y la contemplación.
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Viviana luego nos explica su experiencia personal trabajado en una galería en Singapur, país donde vivir casi una década. La galería Future Perfect https://www.facebook.com/futureperfectasia/ pertenencia a una zona que se llama Gillman Barracks. https://www.gillmanbarracks.com/
La zona como el país es una zona de selva donde los invadieron los japoneses. Luego el gobierno compra toda la zona y lo hace un distrito de galerías internacionales para el intercambio cultural. Eso fue creado bajo su plan general de llenar su liderazgo en el mundo de los commodities, al arte siendo uno de esos. El boom del arte del sudeste asiático empieza después del 2007 después del PopArt chino y el Made In China. Esto causa una proliferación de galerías y este distrito de arte es problemático porque hay gente que dice que eso debe de ser orgánico.
Apitchatpong Weerasethakul
http://www.imdb.com/name/nm0917405/
Fiction
Future Perfect / Galeria Privada
+
For Tomorrow For Tonight. Sobre la relación con la selva
Gran artista tailandés y asiático. Famoso por ganar la Palma de Oro y en su obra maneja mucho video y fotografía. La galería no tiene mucho espacio y tira fotos still y una proyección. El video principal que se llama Faith con dos astronautas.
Y todo esto nos lleva a una tema mayor. Hoy los museos, las galerías, los coleccionistas, los curadores están también a la necesidad de su marca personal. Todo tiene una marca y cada una es parte de una proliferación. La marca personal define el siglo xx1. Los curadores como marca? Y los arquitectos? Las mecenas se vuelven marcas también. Y ahí la privatización de los museos es crucial de tomarlo en cuenta porque es el dinero y el capital que esta re-definiendo el arte en si. Lo importante es preguntarse…quien esta detrás de eso? Y esto siempre nos lleva a otra gran pregunta, se hace el museo para el que sabe o el que no sabe?
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